¡Sabes cómo se inició el movimiento Pop ópera?

El movimiento Pop-ópera, también llamado crossover lirics  (no confundir con ópera-rock) está referido a la fusión de música y músicos académicos y líricos con ritmos y músicos

populares. Debemos recordar que siempre hubo una suerte de barrera conservadora entre ambas tendencias, de forma tal que parecían líneas paralelas, hasta que Jonh Denver(1943-1997) un cantante de folk del medio Oeste con cierto aire de hippie, compuso Perhaps love “tal vez el amor” una canción con una letra trascendente perode una sencillez universal en una melodía que

combinabala ternurade una cajita de música con la majestad de una sala de concierto.  Así que el productordel album,Milton Okun, un fanático de los líricos, vió la potencialidad de la pieza  e invitó al mismísimo Plácido Domingo a que cantara con Denver, de forma tal que la voz nasal pero dulce de Denver, contrastara con la profundidad avasallante de la voz del tenor español. El proyecto fue tan exitoso que en 1981 se posesionó entre
las cien calientes de la cartelera Bilborar, alcanzandola posición 22. Llegó a vender

más de trece millones de copias en todo el mundo, abriendo la compuerta para que los tenores líricos

hicieran lo mismo, siendo Luciano Pavarotti (1935-2007) el más entusiasta de la idea de forma tal que los tres tenores se

han paseado por géneros como el pot rock en todas sus formas, la ranchera, el flamenco, el bolero y hasta la tonada y el joropo, además de cantar junto a Barry Whrite, Eric Clapton, Paloma Sanbasilio,  Stevie Wonder, James Brawm, Lucero, Elton Jons, Sara Berhan, Brayan Adans, Mercedes Sosa, Bono, Ricky Marti, Michael Jacson, Alejandro Fernández, Andrea Bochelli, Simón Diaz, o la guarachera Celia Cruz

y tantos otros que me quedan fuera de lista. El caso es que ambas tendencias se enriquecieron y sobre todo el grueso del público comenzó a degustar

un poco la voz de los líricos y a seguirlos.

Además ha dado pie al surgimiento de nuevas generaciones de grupos como el cuarteto inglés Il Divo en el 2003 o el trío italiano Il Volo en el 2009 en ese momento tres adolescentes con facha de ners o de “el gordito de la clase” ponen de cabeza a medio mundo. Sobre todo con una versión ¡en bolero! (algo impensable para los cánones académicos siendo que se trata de un ritmo latinoamericano de arrabal) de ‘O Sole Mio que no deben dejar de oir. Pero antes les voy a colocar el

enlace paraPerhaps love:

https://www.youtube.com/watch?v=m-G5MxP2w_4
Ahora, lo que quisiera que
quedara en su memoria cuando terminen de leer la entrada. Nada más y nada menos que la versión en bolero de O sole mio por los muchachos de Il Volo.No se la pierdan:
https://www.youtube.com/watch?v=lw3c5d3aBSE 

Fuente: http://www.curiosono.com/

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Al día siguiente, radiografía del Holocausto nuclear

Si hay alguien, además de Dios, a los que tenemos que agradecer el estar vivos en este momento, es a los realizadores de la película “El día después” o “El día siguiente” The day after, de 1983 ¿Estoy

exagerando?…Puede que si, porque en realidad los procesos históricos son la suma de múltiples, grandes y pequeñas circunstancias, pero el arte juega su papel y esta  no fue la primera ni se á la última película apocalíptica pero ¡cómo influyó!

 

En los años 80ta en plena guerra fría y luego del éxito de la película Síndrome de China donde se narran los sucesos

derivados de un accidente nuclear, los estudios ABC deciden armar una miniserie (que luego se comprimirá para formato cine) que relate los efectos de un intercambio nuclear como el que todos esperaban. Para eso fue llamado Nicholas Meyer(“Los pasajeros del tiempo” y las entregas 2 y 6 deStar Trek Viaje a las estrellas)

La película comienza con un avión sobrevolando el Medio oeste noeteamericano con sus paisajes bucólicos, sus graneros, las vacas los potreros, las bastas praderas sembradas de cereales, las ciudades dispersas entre ese gigantesco medio rural, en fín, todo aquello que por tan

familiar olvidamos que da forma a lo que llamamos “civilización”, hasta que nos damos cuenta que el avión no es más que el comando aéreo automátizado que asumiría la salida de misiles de tierra mar y aire desde su computadora cuando el comando central en tierra sea hecho polvo, de hecho, cada uno de los

pilotos, en caso de luz roja debería colocarse un parche de pirata en uno de sus ojos considerando que la luz de una explosión en su radio de visión los dejaría ciegos, de forma tal que se cambiarían el parche para el ojo dañado y seguir viendo por el otro.

La trama se desarrolla

alrededor del poblado deLawewnce a pocos kilómetros de la ciudad deKansas y es el foco debido a que es allá donde está el mayor silo de misiles en tierra de los Estados Unidos. Los personajes son los más disímiles y representativos de la sociedad moderna,

aunque alejados de los líderes y los políticos, más bien digamos que son elciudadano “de a pié” como decimos en Venezuela: un médico, dos estudiantes universitarios, un soldado y una familia del medio rural, cada uno con una trama

distinta y sus problemas cotidianos, unos mayores que otros pero presentimosque, comparado con lo que se está gestando sus problemas en realidad son la felicidad misma. Esto se comprueba con el escalofrío que da el presenciar la salida de las ojibas nucleares y saber que en cuestión de horas, las que salieron del otro lado del Mundo estarán llegando sobre tu pueblo, y los tuyos.

La película  tiene una fuerza documental tan realista que su exibición provocó alteraciones sociales a nivel mundial, incluso fue prohibida en algunos países. Por eso insisto en

que de alguna forma debe haber contribuido a que en cosa de un lustro, la llamada “Guerra fría” se comenzara a desmantelar con la caída del Muro de Berlín. De hecho, en la misma hay una mención a lo que se llamó “La crisis de los cohetes cubanos” en 1963.

¿Se trata de una amenaza conjurada?…Es lamentable admitir que no es así, es más, la combinación de un megalómano obtuso

en Corea del Norte, con un guerrerista obstinadoen la Casa Blanca vuelven a retomar el tema con mucha fuerza. Por eso es que no está de más volver sobre esta aterradora e inquietante película que nos avisa hasta dónde pueden llegar los llamados “juegos de guerra”.

Carmen Miranda. la mujer espectáculo del Brazil

En 1939, el trasatlántico Uruguay atracaba en uno de los muelles de Nueva York, mientras los periodistas esperaban para  entrevistar a una de las pasajeras. Se trataba  de María do Carmo Miranda da Cunha, para nosotros solo “Carmen Miranda” (1909-1955) joven portuguesa cuya familia se trasladó a Brasil cuando

ella tenía un año de edad. Sus inquietudes artísticas debió tenérselas a resguardo debido a lo conservadora de su familia, colegio de monjas mediante. Luego trabajó en una tienda haciendo sombreros, hasta que ella misma puso su propio negocio de confección. Cantaba tangos  en algunas fiestas, para poder pagar el tratamiento de su hermana Olindaquien padecía tuberculosis. Fue descubierta por un productor y pasó a cantar samba, música surgida de las entrañas étnicas de las favelas, género que había aparecido en el cine en Volando 

a Río1933. con la pieza Lacarioca. Vale acotar que la administración deGetulio Vargas, en su intento nacionalista, dio impulso a este género y, desde luego a su promotora, algo que se repetiría en el futuro de la diva.

Luego de cantar en las emisoras locales pudo imponerTico tico no fubá, que data de 1917, curiosa y enrevesada pieza acerca de un pajarito atrevido que se quiere comer todo el maiz de un silo, el caso es que luego de que la gente oyera la samba cantada por la Miranda, ya no hubo otra reina de los carnavales, de hecho, impuso ese ritmo como “el idioma no oficial del Brazil”

Así que la chica que llegaba en ese barco, tenía en su haber diez años de trabajo, varios discos en el número uno y seis películas y de paso venía acompañada de su propia agrupación la Bando da Lua.

Al llegar, los periodistas la abordaron, y en el pésimo inglés que había aprendido durante el viaje, atinó a decir: I say twenty words:

monei, monei, monei. I say hot dog, I say yes, I say no. I say mens, mens ¡Mens! Palabras que sonaron tan simpáticas e ingenuas, que se ganaron de inmediato al público norteamericano pero que escondían una sentencia profética pues nada del sueño americano fue ajeno a ella. No obstante, esta entrevista también tuvo un lado malo y fue que de allí en adelante Brodway no le permitiría expresarse con otro acento que no fuese ese.

Comenzó trabajando con Abbot y Costello en un musical,

y pronto se le escuchó en la radio con una canción deNoro Morales,Bim Ban Bun y otras rumbas y tenía la magia de cantar y sonreír de manera simultánea (parece fácil pero no lo es). Ya al primer més de su llegada comenzó a ser portada de toda revista de farándula que se respetara y sus canciones fueron éxitos a nivel nacional, la picardía de esa pimentosa y diminuta chica de metro y medio (1.52 m, para ser más exactos) se ganó al público estadounidense.Bailaba con suecos para poder estar a la altura de sus coros y

bailarines, y siempre tocadacon exóticos sombreros de frutas tropicales, lo que hizo que la bautizaran como “la bomba brazileña” o “la chica del sombrero tutty fruty” o el más mediático deChica Bum chic, extraída de una pieza homónima que imitaba los sonidos de la samba. Impuso también la pieza Mamá eu quero, cierta conversación con su madre acerca de la insinuante chupeta o paleta.
El costo de todo este éxito era formidable, vale acotar que bajo la apariencia festiva, se ocultaba una mujer tenaz que se exigía hasta el máximo. Hubo meses donde llegó a hacer tres shows diarios.

Algo que también ayudó a asentar a la Miranda en USA fue la política de buena vecindad llevada a cabo por la administración Rooselvelt, que no era otra cosa que el estímulo oficial y por parte de los productores, para sustituir el

perdido mercado europeo debido a la guerra, por el fresco y renovado mercado latinoamericano con música y temas alusivos a la región; como ejemplo de ello tenemos Acuarela do Brasil, obra fundamental de Disney, donde canta Brasil, compuesta en 1939 por Ari Barroso, acompañando al guapachoso lorito José Carioca (algo así como elarter ego de la Miranda, masculino y en caricatura)en medio de la localidad amazónica con un manto paradisíaco connotadamente

pintoresco, además, y en otra toma, un cover deSolamente una vez deAgustín Lara, que canta Dora Luz, hermana de Miranda, junto al pato Donald, este último representando el acartonamiento anglosajón para ciertos bailes.

La cantante formó una exitosa dupla con Xavier Cugat, el director de la orquesta de ritmos caribeños, quien en ese momento era el dueño indiscutido de las noches de espectáculo en el podio del hotel Waldorf Astoria. En la década de los 40, la Miranda  fue una de las artistas mejor pagada de Estados Unidos (por delante deGary Grant y Bob Hope o Humphrey Bogart) y en 1945 fue la mujer con el mejor sueldo del país.

En medio de esta avalancha de actividades la  20th Century Fox le ofrece un contrato imposible de rechazar. A resultas,

se instala en Bervely Hills con su madre y buena parte de su familia. Entraba así en alfronbra roja a laMeca del Cine en su explendor Dorado. Rodó diez películasº en donde representaba a las latinas según los cánones hollywoodenses, es decir, nerviosas, apasionadas, muy buenas bailarinas, exóticas pero también very friendly (muy amistosas)

en apenas cinco años  colocó sus fueros en la mismísima aristocracia de la Meca. Montó una compañía petrolera en Texas, teniendo por socios aJohn Wayne y Clark Gable y gente como Howard HughesGroucho MarxAva Gardner y Elizabeth Taylor los trataba de tú a tú. Pero su actividad era frenética. Nunca fumó ni bebió hasta los 30 años de edad pero tantas actividades la llevaron a refugiarse en el tabaco y el alcohol y cuando esto no fue suficiente recurrió a una mezcla que se había hecho común  entre los artistas de

esos días, Benzedrina, una anfetamina para mantenerse alerta, y Seconal, un barbitúrico, para conciliar el sueño. A todas estas, la prensa de Brazil se hacía eco de los movimierntos comunistas que la criticaban diciendo que era una “vendida al imperio” al entregar una falsa imágen del latinoamericano, y que había olvidado hablar en portugués, cantar samba y que no podía ocultar que era más yanky que el mismísimo Tio Sam. A lo que respondió con la canción Disseram que eu voltei americanizada “Dijeron que volví americanizada” Y cuándo

le preguntaron el por qué seguía encasillada en esa imágen del sombrero de frutas, respondió:Bananas is my business “las bananas son mi

negocio”, frase que daría título a un futuro documental de 1994 producido por la brasileñaHelena Solberg. Vale decir

que la United Fruit Compani, copió su imágen y la frasesita de marras para crear la marca “Chiquita banana” pero la Miranda no recibió ni un dolar por ello.

A pesar de lo que había declarado, en realidad la sorna conque la señalaron sus coterraneos fue un golpe bajo para su dignidad. Eso queda demostrado cuando, para salir  del encasillamiento, en 1949, compra su contrato a la Fox por 75 mil dólares y rueda la película Copacabana.

Tras varios romances (algunos incluyen a Vinicius Moraes

Con su esposo, D. Sebastián

 quien más tarde sería el famoso compositor brasileño y que a la sazón trabajaba en el consulado brasileño de Los Angeles) se casó con el productor David Sebastián. Pero su vida personal estaba resintiendo las palabras que dijera a su llegada “money, money“. pasó varias veces por el quirófano, en una ocasión para perfilarse la nariz,(detestaba también sus grandes senos pero unos sujetadores reductores le ahorraron la intervención). La farmacodependencia aunada al estrés la llevaron a someterse a terapias de electro-shock (tres enfermeros sujetándola y cien voltios que la dejaban dormitada y confundida durante semanas.

Con todo, todavía tuvo fuerzas para volver a la escena, en 1955, ese  cuatro de abril se presentó en el show de Jimmy Duarante, de la cadena NBC que acaparaba la sintonía de la noche de los sábados, y más cuando estaba anunciado el regreso de la Miranda con bombos y platillos. Allí estaba, lista a hacer de las suyas, los zapatos de plataformas imposibles, maquillaje a raudales, casi un kilo de bisutería y el extravagante sombrero frutal. Pero los

Sello postal USA en su honor

tiempos habían cambiado y ya no era la samba lo que sonaba, sino las Big bands con los mambos y eso era lo que estaba cantando, cuando comienza a hacer una claudicación que no pertenecía a losskech de la pauta. Por fortuna, el propio Durante estaba bailando con ella y logró abrazar a la diva en medio de unas volteretas sin son ni ton. “Me faltó el aire”, dice ante la cámara con una sonrisa forzada. Pero en realidad fue más que eso, como se determinó luego. Al día siguiente en la mañana del domingo 5 de abril, a menos de doce horas del incidente televisivo, su empleada de limpieza la encuentra en su aposento, muerta pero todavía empuñando su espejo de mano.

Tenía 46 años. Elshow businessacababa de devorar a una  de sus más grandes creaciones, con una muerte que en el futuro tratarían de plagiar Judy Garland y Marilyn Monroe.

Carmen Miranda fijó en el imaginario mundial, incluso en entre los mismos latinoamericanos, una suerte de cosmología del Barzil que, aunque alejada de la realidad, todavía sigue  viva. Por eso creo que la Miranda es la máxima representante de lo que los escritores sudamericanos una década más tarde, bautizarían como “Realismo mágico latinoamericano”.
Fuentes:
Ruy Castro (biógrafo), Eleazar López, abril 2010, Iñigo García 2013. Las Verdades de Miguel, Caracas Venezuela
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Recomiendo ver el video de Acuarela do Brasil, sobre todo el performans que hacen de su llegada a Estados Unidos.
ª Películas rodadas por la Miranda:
1940 Serenata argentina
1941  Aquella noche en Río

1941  A la Habana me voy
1942  Secretaria brasileña
1943  Toda la banda está aquí
1943   Greenwich Village
1946  Cara de muñeca
1947   Copacabana

1948    Así son ellas
1953 Una herencia de miedo

España en el Festival eurovisión 1968

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Debemos aclarar que el Festival Eurovisión nace en 1956 como una reacción natural al inmenso éxito que desde 1951 había logrado el Festival de San Remo, concurso italiano de cantantes que causaba furor en Europa y en el mundo y no pudo ser opacado nisiquiera por la invasión británica que implicó el fenómeno Beatle y  esa atronadora fascinación rock  de los años 60.  Eurovisión, con las mismas cualidades de un San Remo pero en varios idiomas y a nivel continental, tuvo junto a San Remo, su máximo éxito en esa década que a nivel musical ha pasado a la historia como la década massiel-abba-2prodigiosa. Aunque debemos reconocer que la guerra fría no estaba tan fría en el caso de una justa musical internacional, y eso entorpeció mucho el evento, no obstante dio a conocer a grupos como Abba en 1974 y a los españoles Raphael y Julio Iglesias que, aunque no ganaron, se dieron a conocer al mundo. Pero en esta nota nos interesa hablar massiel-duo-dinamicode la irrupción de España en el certamen con todas las de la ley, para ello debemos hablar del los “padres de la criatura” por decirlo de alguna manera. Se trata de Ramón Arcusa y Manuel de la Calva massiel-cantando“El dúo dinámico”. Recordemos que para ese momento España, a pesar de que fue testigo de uno de los conciertos de los Beatles, en realidad estaba sumida bajo la censura y la imposición oficial de “folkore nacional” que había hecho que los jóvenes le dieran la espalda a la música tradicional española, como un massiel-richardacto de rebeldía y es precisamente este par de chicos los que abren una brecha en esa indiferencia con una música autóctona pero a la vez contemporánea surgida del gusto popular por la nueva música internacional, el pop. Canciones como Esos ojitos negros, Perdóname (te perdí), El final del verano y otras, hicieron comprender a los grupos y compositores españoles que era posible salir del marasmo y competir de tú a tú con los grandes, sobre todo contra la mismísima potencia musical del momento, Gran Bretaña. Y precisamente, el mayor aporte de estos chicos fue escribir la canción debutante por España en Eurovisión 1968, una sencilla onomatopeya La la la interpretada por Massiel.  Las condiciones eran en contra, en primer lugar la justa tenía como sede nada más y nada menos que Londres, la cuna de la invasión musical más agresiva de la historia de la civilización occidental y en plena era Beatle. Pero, como decimos en Venezuela, España massiel-medallaestuvo dispuesta a ladrarle al mounstro en su propia cueva,  de hecho, uno de los finalistas era Cliff Richard, cantante británico que sin estar en la onda del rock, tenía méritos propios a nivel internacional desde finales de los años 50 y que esta vez se presentaba ante su público con el hit Congratulations, massiel-duopero la sorpresa fue que Massiel se alzó con el galardón.
En las fotos vemos cómo el propio Cliff Richard y los compositores de la canción, alzan en vilo a Massiel. De esa forma España entraba a la historia musical de esa década y junto a ella una cosntelación de grupos y cantantes que tenían rato trabajando fuerte como La Fórmula Quinta, los Payos, Luis Eduardo Aute, Nino Bravo, Los Canarios, Los Pekenikes, Miguel Ríos, Víctor Manuel, Los diablos, los Pop tops, Los Bravos y el gran Joan Manuel Serrat.

Recomiendo ver el extracto que hace un seriado de lo que se vivió en España en esos momentos

https://www.youtube.com/watch?v=Wlqf16yXYpM

Sería bueno que también escucharan la canción interpretada por Cliff Richard que quedó como primera finalista
https://www.youtube.com/watch?v=23ZG6HJVKuQ

Fuente: Jordi Sierra i Fabra “Historia de la música rock”

Ganadores del Eurovisión desde 1957 a 1982

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Pilotos opuestos, Rush, pasión y gloria

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Para Mariam Tajha R.

Debo aclarar de antemano que soy un ignorante de todo lo que tiene que ver con el automovilismo. Pero cuando la historia es buena no importa de donde venga, se agradece que nos la cuenten.

James Hunt corría para que llovieran sostenes y
blúmeres y hacer fiestas con sus amigos. Niki Lauda lo hacía para que lloviera dinero y así consolidar una rush-con-los-periodistas
empresa. Por supuesto, se trata de una simplificación. Lo importante era que los unía el deporte y como esa rivalidad les hizo ganar en reconocimiento mutuo.rush-autos-corriendo

Hunt, inglés como pero más parecido a un Stong, apuesto, fumador, fotogénico provocador de escándalos, las delicias de los paparazis, pero con una garra y una capacidad de reflejos y reacción tan rápida y certera, un verdadero “tigre del volante”  más que valientey-las-chicas, temerario, pues en la adrenalina se sentía como pez en el agua.

Niki Lauda. metódico, sistemático, calculador, monógamo, con un alto sentido de la responsabilidad, de aspecto algo ratonil, que a pesar de provenir de Austria, país que ha sido considerado como la vertiente artística y soñadora de la cultura en lengua alemana, pero en cuanto a Lauda, en
rush-parados-en-la-carretera realidad era la imágen viva de un insufrible oficial prusiano, en casi todas las fotos aparece uraño, arrogante por saber la capacidad de su valía y difícil de abordar por los periodistas.
Lauda sostenía que Hunt era bueno para ganar carreras, pero no la temporada pues su inmediatez le hacía miope a la visión panorámica de la justa.

Ambos se verán las caras en una de las temporadas más dramáticas de la fórmula uno: la de 1976.
Eran tiempos mucho más peligrosos que los actuales, entrerush-accidente-2 1952 a 1975 habían fallecido veintinueve pilotos en los circuitos (recordemos que desde 1994, con la muerte del brasileño  Ayton Senna, no han habido más accidentes fatales)sobre todo las escenas en el ciruito de las curvas más infames, en el ambiente de montaña  permanentemente húmedo y

Rush

RUSH

neblinoso de Nurbugrin (Alemania) apodado como “El infierno verde”, y la superación de los más grandes traumas y sobre todo del miedo, algo que no salió jamás en ninguna pantalla. rush-el-cascoHistoria de por si fascinante y que no deja de sorprender al expectador desconocedor como yo, aunque creo que a los tradicionales amantes de los “fierros”, la nafta de alto octanaje y los cauchos quemados que ya conocen esa historia, también tendrán una experiencia tensional rush-pista-mojadacon unas escenas de verdad escalofriantes.

 es en medio de esos nefastos antecedentes cuando se presenta esta lucha entre la el rápido instinto y el rigor del trabajo lento en un par de egos descomunales ¿Quién tenía la razón? Si al principio de la lectura les dije que yo no sabía ni un tornillo de F´rmula Uno, soy el más adecuado para dar una respuesta que la daré con otra pregunta ¿Cuál de los dos nombres es el que a usted le viene a la mente de primero?
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Fuente: Alexis Correia, El Nacional, Caracas, 03 de octubre del 2013

FICHA TÉCNICA:

TÍTULO ORIGINAL: “Rush”

GÉNERO: Drama – Acción – Biopic

PAÍS: Estados Unidos, Alemania, Gran Bretaña – 2013

DIRECCIÓN: Ron Howard

lauda-archivo-2ELENCO: Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara y Pierfrancesco Favino.

GUIÓN: Peter Morgan

PRODUCCIÓN: Brian Grazer, Ron Howard, Andrew Eaton, Eric Fellner y Brian Oliver.

DURACIÓN: 123 minutos.

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El malquerido, film con todos los ingredientes para ser muy querido

Para Virginia y Luis Pereira
Cuando la penumbra de la sala se disipó con la imagen y el sonido de Ese bolero es mío del dominicano Mario de Jesús Baez, quedé convencido de que todo lo que vendría luego llenaría las expectativas. No es simple retórica, pues llevar a la pantalla grande la vida de Felipe Antonio Pirela Morón (1941-1972) no sería algo tan fácil. En este caso, el veterano del acetato, Diego Risquez, optó por estructurar la

historia sobre el formato de una entrevista televisada en San

Juan de Puerto Rico y de allí hacer los respectivos flash

back que remiten a cada una de las etapas de su vida de forma cronológica, más bien didáctica. Historia redonda, basada en el libro del zuliano Eduardo Fernández “Felipe Pirela, su vida”. 
El film me recordó la producción

 Boleros en plena edad de oro del cine mexicano y basada en la actuación y vida de Agustín Lara. Pero volviendo a nuestra película, vale destacar la actuación de  Dylan Perez   quien hace las veces de “Pipito” en su Maracaibo natal y se luce pregonando las mandocas (postre zuliano) y sobre todo cuando interpreta Frenesí del mexicano Alberto Dominguez Borrás, en una emisora local.

Chino y Nacho al recibir el Grammy latino

En tanto que la vida azaroza -¿o azarada?- de “El bolerista de América” es interpretada por Jesús Alberto “Chino” Miranda P. joven de treinta años que ha hecho carrera como rapero en el dúo “Chino y Nacho” junto a Miguel Ignacio Mendoza D. y que, con esta puesta

en escena, hará un cruce transversal desde su público pre-adolescente natural, pasando por todo los estratos hasta incluir a los propios adultos mayores que, ahora lo reconocerán como el artista que es; algo así pasó con Luis Miguel cuando grabó la colección “Romances” de la mano de Armando Manzanero. 

En una entrevista concedida a Estefanía Diaz, la reportera del semanario “Quinto Día”, el Chino dijo que cuando supo que

estaba propuesto para el personaje, de inmediato llamó a su

papá para darle la noticia y él le dijo que Felipe Pirela era su ídolo, al punto de hacer todo lo posible para ir a oírlo en el Círculo Militar. Es lamentable que falleciera antes de ver el estreno de la película donde su hijo interpreta a su ídolo, al

respecto,el Chino dice que el bolero que más cantaba su papá era Retirada del mexicano José Alfredo Jimenez y por ende, el que más recuerdos le trae de él, aunque lo importante es, que a pesar de todo, pudo cumplir el sueño de su padre.

La actuación del Chino es muy sobria, y al venir de unos géneros callejeros como el Hit hot caracterizados por bailes cuasi-gimnásticos, su gestualidad en el canto de los boleros es muy limitada, vale decir, acertada, en tanto y cuanto, está representando a alguien que se le llegó a llamar “La estatua que canta” pero

además, su actuación tiene más mérito cuando se encuentra rodeado de verdaderos veteranos, como lo es Daniela Alvarado (la conseja indica que un film donde ella no aparezca, no es cine venezolano) Ivan Tamayo, como el manager José Paiva hace un papel de altura, Mariaca Semprúm como la madre de Mariela y sobre todo, Vicente Peña como Cheo García, y con esto comento la escena que más me impresionó, Samantha Castillo, como La Lupe, Lupe Victoria Yoli Raymond (1936-1992) con una verosimilitud y

 

fuerza avasallante, tal cual, la singular cantante cubana, en una escena donde canta a dúo con Felipe Pirela El son se fue de Cuba de Billo Frómeta, ante un grupete de borrachos, interpretados por el cineasta Carlos Azpúrua, el ex diputado Soto Rojas y el arquitecto Fruto Vivas, y que el director aprovecha

para dar un vistazo al ambiente político de los convulsionados años sesenta cuando América Latina se debatía entre dictadura, democracia y comunismo, y que le sirve como excusa para hacer un guiño a la crispación

política de la Venezuela de nuestros días.

El film da un paneo rápido por la Caracas de los años sesenta a través de sus referentes arquitectónicos, con la

cortina musical de Perdámonos (Mario de Jesús Baez) algo importante si consideramos que apenas en los cincuenta, la ciudad acababa de entrar al siglo veinte y la modernidad; ejemplo

de ello son el hotel Humbold, el paseo Los Próceres y la

concha acústica del Club Táchira en Bello Monte, donde se escenifica el matrimonio Pirela-Montiel bajo los acordes de Unicamente  (Felipe Valdez Leal) bien lo dijo Pablo Gamba “la iconografía de la cinta trasciende al personaje y abarca toda una época”

La actuación de Sheila Monterola, representando a Lucía, la madre de Pirela es contundente.

 Y en cuanto a Greisy Mena en el papel de Mariela Montiel fue una revelación, por la frescura de su rostro en un personaje trabajado al detalle, sobre todo en su último diálogo con Pirela en la salida de un

ascensor. No obstante su mayor esplendidez, no está en la

escena con su traje de novia sino en una toma lúdica en

la que el cantante y ella están cenando en los extremos de una larga mesa en medio de un mar de marea ascendente y ella le pregunta que desde cuándo no escribe un bolero para ella.

La música estuvo a cargo de Alejandro Blanco Uribe, quien tiene como curriculum haber creado fenómenos como las

producciones de Ilan Chester y Franco De Vita, en este caso tuvo la ayuda de Pedro Gonzalez director de la Filarmónica, para lograr grabar a la usanza de las Big Band pero con un toque de jazz para hacerla un poco más agresiva. Al respecto Blanco dice “La música era

el pivote de toda la obra, si se nos caía, estábamos perdidos, así que pusimos especial cuidado en ella, y ahora puedo decir, sin pretensiones, que el público oirá la mejor producción musical de la cinematografía venezolana”. Ejemplo de ello son los

arreglos de los temas ante dichos y de Entre tu amor y mi amor (Juan Ponati y Leopoldo Diaz V.Cuando estemos viejos (Dany y Julio Martin) y El malquerido del mexicano Alberto Dominguez Borrás.

Hay un diálogo muy revelador de lo desgarrador del bolero con respecto a otros géneros, y es cuando Paiva le dice a Pirela que los baladistas  están cerca de igualarle

el record de ventas y nombra a ManzaneroRoberto Carlos, Rocío DurcalLeo Dan y Nelson Ned para finalizar el parlamento con esta perla: “Al parecer la gente ahora como que es más feliz”.

La producción no ha dejado de suscitar críticas referidas a la

fin de la dictadura en Venezuela 1958

historicidad; por ejemplo, en el film se hace ver que la entrada de Felipe Pirela a la Billo’s Caracas Boys coincidió con los últimos meses de la dictadura de Marcos Pérez Jimenez, cuando en realidad fue en el período de transición a la Democracia (LarrazabalBetancourt)  Por su parte, el experto Alfonso Molina, la llama “elegía” en tanto, la cinta no escarba en el lado oscuro del personaje, más bien lo atenúa. También se ha criticado el hecho de que los

baladistas mencionados por Paiva no estaban en la palestra en el período de su contrato ni pertenecían al sello Velvet, cuestión que no dudo, no obstante me parece que la escena era

necesaria para ilustrar la entrada de la balada en la escena musical y su vigencia hasta nuestros días.

  O el hecho de que la verdadera “madrina artística” de Pipito, no fue la mamá de Aparicio sino la cantante Teresita Antunez, además, otro biógrafo de Pirela, Luis Armando Ugueto ( un tercer biógrafo de Pirela es José Napoleón Oropeza) indica que quedan por fuera personajes

relevantes que tuvieron mucho que ver con Felipe PirelaPorfi Jiménez, Estelita del Llano, Mirla Castellanos, Lila Morillo, el trío Los Naipes, Javier Solís, Marco Antonio Muñiz, el Trío Venezuela 

 o Renny Ottolina. En efecto, pero debemos  tener en

cuenta el costo en recursos humanos, dinero y tiempo para

integrar a tantos personajes en una cinta que, al fin y al cabo no tiene pretensiones de ser un documental. El cine, en las últimas de cambio, es un cuento en formato de pantalla grande.

Del blog “salsifícate”, especializado en música caribeña y salsa, tomamos lo siguiente:“Que un hombre, apodado en los predios de la música caribeña como El Cantante de los Cantantes, haya dedicado un álbum íntegro, a la

Carátula del disco homenaje a Felipe Pirela

memoria de un artista, es mucho decir. Y si vemos que Héctor Lavoe solamente una vez -¿suena a bolero, cierto?- en su carrera grabó un disco homenaje, el peso del homenajeado debe ser muy importante, en efecto, lo hizo a su cantante favorito Felipe Pirela, en Recordando a Felipe Pirela, del año 1993“. Y precisamente, la vida de ambos personajes, se puede resumir en las palabras puestas en la boca de La Lupe “¿Sabes por qué nos gusta esta profesión? Por el vértigo. Cuando estamos ante el

público estamos ante algo así como un abismo donde está todo junto, la Gloria y la caída ¡Todo junto!. Cuando subes, tú no ves pa’ 
bajo” Precisamente, la oscuridad del abismo advertida en el tango, transformado en bolero, Sombras nada más del argentino José María Contursi.

Muy bien retratada la relación con Luis M. “Billo” Frómeta

Pereira (1915-1988) quien fungió como su padre en el

medio artístico, por cierto, excelente actuación de Héctor Manrique y la labor de los maquilladores para llevarlo a ese parecido físico. Uno de sus parlamentos dice “El bolero es el testimonio de la forma cómo nos enamoramos en este lado del mundo…eso es lo que significan las maracas y el bongó…de algo si estoy seguro, el bolero no

será el mismo sin Felipe Pirela.

Para concluir, unos versos que van al caso “Ese bolero es mío, porque su letra soy yo, es tragedia que yo vivo y que solo sabe Dios”.
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Fuentes:
Estefanía Díaz, Quinto Día.

Pirela junto a su esposa Mariela Montiel
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Aquilino José Mata, Diario de Caracas
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Simón Villamizar, El Universal 17 de diciembre 2015
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http://salsificate.blogspot.com/2009/04/hector-lavoe-recordando-felipe-pirela.html
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 Ficha Técnica
Dirección: Diego Rísquez.
Guión: Robert Gómez, Emiliano Faría y Diego Rísquez.
Productor ejecutivo: Antonio Llerandi.
Director de fotografía: Cezary

Jaworski.
Edición: Leonardo Henríquez.
Sonido: Mario Nazoa.
Dirección de arte: Fabiola Fernández y Diego Rísquez.
Vestuario: Luisa J. Aveledo.
Casting: Sheila Monterola.
Jefe de producción: Carlos Marchan.

Islas Canarias, introducción a la galería de Virgi, 1ra parte

Tómese un trocito de Hawaii, otro de Texas, añádase una pizca del Mont Blanc, y un poquito de los palmares de Mallorca; agítese todo eso y se obtendrán Las islas Canarias. No en vano, cuando Humbolt las visitó en su famoso periplo hacia el Nuevo Mundo, quedó encantado al ver que en estas

pequeñas Islas había todo lo que podía albergar un continente. 

 Tolomeo trazó  la línea del fin del mundo detrás de la más occidental (isla de Hierro)

Las Islas pertenecen a la plataforma continental de África, y se sitúan a solo 100 km del Sahara. Se extiende al oeste en un arco de casi 500 km en la misma latitud de El Cairo.

Sus montañas, casi todas de origen volcánico,  se elevan 685 a 3700 metros sobre el nivel del mar, muchas de sus playas son de
lava negra.

A pesar de ser trece, se las conoce como Las Islas Afortunadas, y su nombre no se debe a los pájaros (que los hay) sino a los perros o canes de los nativos,  que recibieron ladrando a los españoles. Sus nombres suenan a una antigua melodía romántica, las siete grandes son Tenerife, Gran Canaria, La Palma, Gomera, Hierro, Lanzarote y

Fuenteventura.

Apenas llueve y los vientos alicios refrescan la atmósfera en tiempo de calor, mientras que las corrientes del Golfo se encargan de que el invierno sea moderado y que el agua de mar se ofrezca tibia al nadador en cualquier día del año. No posee serpientes y son muy pocos los insectos picadores. El árbol representativo es el drago, que gotea una savia con la consistencia de la sangre.

En el Teide, entre 1800 y 2400 metros las lomas se cubren con la retama roja, especie endémica que exala un aroma penetrante, capaz de producir mareos y jaqueca si se duerme con un ramo de ella en una habitación cerrada. En la capital de Gomera, San Sebastián, 1492,  Cristóbal

Colón repostó sus naves y aun se conserva la casa donde pernoctó y el pozo que les sirvió de aguada. Se desconoce la razón de esta escala en Gomera, lo cierto es que gracias a ella, se desvió mil kilómetros al sur de su puesto de embarque, haciendo que tocara en el Caribe. De no ser por esto hubiese arribado a las costas del sur de los Estados Unidos. la historia entonces hubiese sido otra. En tenerife, fue donde el almirante Nelson, hasta entonces invicto, sufrió su primera derrota y

de paso perdió un brazo.

 

Para finalizar esta introducción y pasar a la galaría, quisiera traer a colación la experiencia que el venezolano Edgardo Malaspina recoge en uno de sus libros de viajes cuando

estaba con Natalia, su esposa en Italia, resulta que se topó con unas hermanitas de las Islas y ellas le dijeron que “El cuerpo de Las Canarias está en Africa, su mente está en España, pero en América está su corazón”.

 

 

 

George Kent, Selecciones R.D. Mayo 1969

 Medicrónicas viajeras. Edgardo Malaspina, San Juan de los Morros, Guárico Venezuela 2015

Todas las fotos de 
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